Hoy hablaremos de la esencia de nuestra música, uno de los seis puntos clave que nosotros consideramos que debe tener una banda.

Nadie puede discutir lo importante que es diferenciarse de los demás, en la disciplina que sea. Ese, de hecho, fue el motivo por el que formamos nuestro grupo. A pesar de las influencias -muchísimas- que hemos tenido, Crianza, Verdejo y Claude Gros, no dejamos de investigar, de crecer como músicos. La vida consiste en eso: seguir el camino, pero nunca dejar de observar todas las señales.

Es cierto que hemos tratado de amoldar a nuestro estilo algunas de las técnicas depuradas de algunos de los grandes -¡como nos gusta aprender de ellos!-, de su forma de componer… pero siempre hemos querido ser diferentes. Y en ello seguimos trabajando.

Jarabe de Palo. In memoriam Pau Donés

Partiendo de esa reflexión, queríamos hacer un alto en el camino, porque el fallecimiento del cantante Pau Donés, líder de Jarabe de Palo, nos ha hecho reflexionar sobre esto, todavía más. ¿Te has fijado en que su muerte no ha dejado indiferente a casi nadie?

¿Y eso, por qué ha ocurrido? Básicamente porque el cantante y compositor logró algo de lo que no mucha gente puede presumir en el complicado mundo de la música: fue único, reconocible y tuvo su propia esencia musical.

Esforzarse primer paso para destacar

Un teórico de la comunicación como Marshall McLuhan aseguraba que, después de haber adaptado la Novena Sinfonía de Beethoven para la recordada película Fantasía, Walt Disney comentó que aquello “haría famoso” al genial compositor…

De manera que, una pieza musical que estaba sonando desde 1824, la sinfonía que se considera obra cumbre del compositor alemán, era recuperada más de un siglo después (1940) para aportar vida a la primera gran película de animación de la Historia.

Pese a la osadía de Disney, ese procedimiento resume el proceso de aprendizaje que todo creador de contenidos debería abordar. Es decir, no se trata de plagiar, sí de ser estricto con el trabajo, pero si logramos encontrar nuestra esencia, que partirá del aprendizaje logrado, tendremos mucho camino recorrido.

Hay quien, por decreto, descarta toda obra sobresaliente que no case con su estilo, ideología o pensamiento. Sin embargo, nosotros somos la mar de empáticos (ese es otro de los puntos que recomendábamos a la hora de formar una banda) y escuchamos de todo. No podemos decir que bebemos de todas las fuentes, por cuestiones obvias, pero, metafóricamente, así es.

Como decimos, no se trata de fusilar (como dicen los periodistas), pero sí de absorber lo mejor de cuanto vamos conociendo para poder forjar nuestra propia identidad.

Los músicos más inolvidables del rock

Y, para ello, qué mejor que fijarse en los mejores de la disciplina. La revista Rolling Stone, una de las más influyentes en el mundo de la música desde finales de los 60, publicaba allá por diciembre de 2010, en su edición americana, el listado con Los 100 artistas (musicales) más grandes (¡cómo nos gustan las listas!), que, curiosamente, era diferente a la que apareció en la edición española un año antes, y con la mitad de efectivos.

En el listado de la edición estadounidense, que puedes ver aquí, las diez posiciones más relevantes las ocupaban estos pesos pesados de la industria, sobre todo, por su influencia:

10. Ray Charles

9. Aretha Franklin

8. Little Richard

7. James Brown

6. Jimi Hendrix

5. Chuck Berry

4. The Rolling Stones

3. Elvis Presley

2. Bob Dylan

1. The Beatles

 

Dicho listado, variaba un poco en España, cuando la esencia venía a ser lo mismo:

10. Madonna

9. Bob Marley

8. Jimi Hendrix

7. Michael Jackson

6. John Lennon

5. Elvis Presley

4. Bob Dylan

3. Bono

2. Mick Jagger

1. Bruce Springsteen

Depende del cristal con que se mire

Es decir, en la misma revista, tenían una visión diferente del tema, dependiendo de la ubicación. Porque no tiene el mismo peso Chuck Berry en España que Madonna, por ejemplo… Aunque, Madonna -mujer influyente donde las haya- situada entre los 50 músicos más importantes del rock… Bueno, eso chirría un poco, sin ánimo de polemizar, y volviendo a lo que íbamos: de todos ellos los músicos hemos podido aprender algo. Y, de cada uno de ellos, hemos podido observar cómo contaban con unas señas de identidad.

Nos vamos a fijar, a modo de ejemplo, en el listado español, y veréis cómo sacamos más de un detalle para poner en contexto lo que decimos:

Madonna

La ambición rubia sigue al pie del cañón y, como nuestra Lola Flores, se morirá con las botas puestas. Ella ha sido más que un icono para muchos colectivos, como por ejemplo el LGTB, que la idolatra. Durante los años 80, con el objetivo entre ceja y ceja de triunfar, se convirtió en la reina del pop y sus giras se convirtieron en acontecimientos planetarios. Era tal el empuje de la diva que su concierto del 1 de agosto de 1990 fue emitido, en horario de prime time, en Televisión Española para todo el mundo. Algo, hoy por hoy, impensable.

Bob Marley

Considerado el icono rastafari y de Jamaica por antonomasia, en realidad es el auténtico mesías del reggae. De hecho el estilo musical no sería lo mismo sin este artista que influyó también en otras disciplinas -a muchos ídolos del pop y el rock-, que murió joven, pero que nos dejó un legado apabullante, sobre todo con The Wailers. El mundo no sería lo mismo sin No woman, no cry o I shot the sheriff.

Jimi Hendrix

La Historia dice que Robert Johnson vendió su alma en la Encrucijada del Diablo a cambio de poseer la maestría que logró guitarra en mano. Si realmente eso fue así, no imaginamos lo que pudo hacer en vida Jimi Hendrix, otra figura contracultural de los 60 -sobre todo-, que acabó formando parte -como el primero- del famoso Club de los 27 (a esa edad murieron en diferentes circunstancias un puñado de estrellas del rock). Pero la realidad es que este bluesman, que tocaba la guitarra Stratocaster ¿como nadie?, natural de Seattle, al igual que grupos punteros posteriores como Nirvana o Pearl Jam, marcó tendencia, no podía faltar a aquellos primeros festivales iniciáticos del rock, y fue mucho más que un icono musical.

Michael Jackson

Con Jackson vino a pasar algo parecido a cuando no haces mucho caso de alguien y cuando lo pierdes lo echas tremendamente de menos… ¿Os suena? Al artista que desde niño despuntó y reportó pingües beneficios a la industria de la música, en los últimos años, se le estigmatizó -seguramente con razón-, pero he aquí el eterno dilema ético entre el artista y la persona… A lo que íbamos, y sin meternos en berenjenales: MJ fue y sigue siendo por derecho obtenido el rey del pop. La Motown le exprimió de manera notable, pero posteriormente logró publicar algunos de los discos más importantes en cuanto a ventas y calidad de la historia del pop. Hablamos de Thriller, Bad o Dangerous.

John Lennon

Avisamos ya que somos muy de The Beatles. Y de hecho, al menos a Paul McCartney nosotros lo habríamos colado en cualquiera de esos dos listados. Sin obviar al genial George Harrison. De la dupla que hizo Lennon precisamente con McCartney surgieron algunas de las mejores canciones del siglo XX. Y su influencia es indudable en millones (sí, millones) de bandas de todo el mundo. Su privilegiada cabeza, su manera de ver el mundo, su sensibilidad y talento, así como su compromiso social convirtieron al joven de las gafas redondas o teashades -perdón, ésta es otra de sus señas de identidad- en un referente cultural que perdurará mucho tiempo. En el siglo XXII cuando hablen de grandes artistas musicales del XX, se hablará, sin ningún género de dudas, del británico abatido junto al Edificio Dakota.

Elvis Presley

El rey del rock fue un auténtico torbellino social durante muchos años, en particular en aquella Norteamérica en la que el fenómeno naciente del rock and roll venía a ser el modelo disruptivo de la juventud hacia unos adultos que, además, venían de años complicados tras la Segunda Guerra Mundial. Elvis lo cambió todo. Fue probablemente la primera figura mediática de la música, esa de la que todo el mundo conocía su vida… Y, por si su música fuera poco, sus películas le catapultaron al estrellato mundial y fueron el complemento perfecto para una carrera que fue decayendo en paralelo con su vida. A pesar de ello, su legado es colosal, porque supo aunar el talento cantando, bailando y tocando con una imagen que podía ser sensible, batalladora y hasta rompedora para la época.

Bob Dylan

De Dylan hay algunos hitos que todo el mundo recuerda… Aquel concierto en Newport, al abrigo de la guitarra eléctrica, que muchos abuchearon, porque creían que aquello era la ruptura con el folk, del que el cantante era un emblema. O el episodio de la concesión del Premio Nobel de Literatura, que no fue a recoger -acudió su amiga Patti Smith-… Lo que nadie duda es el potencial interpretativo de un tipo singular, introvertido, pero que lleva toda la vida sobre un escenario y nos ha reportado clásicos intemporales como Blowin’ in the wind o Knockin’ on heaven’s door. Un auténtico autómata de la música que ha convencido a crítica y público y que sigue siendo un referente para todo músico que se precie.

Bono (Paul Hewson)

Aquel tipo que en los 80 sorprendió al mundo tras una camiseta blanca de tirantes y que en los 90 apabulló con su banda, U2,  uno de los mejores discos de la Historia -sí, hablamos del Atchung Baby-, pasó hace tiempo de ser un músico a convertirse en referente cultural e incluso un activista político influyente por múltiples causas. Bono puede decir que ha sido lo que ha querido ser. Junto a The Edge, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton ha logrado hacer de sus espectáculos hitos a los que todo el mundo quiere ir aunque no les guste su música (cosa que deberían hacerse mirar). Pero también fue un tipo que quiso inyectar potencia a discos colosales como War, y lo hizo. Quietud a The unforgettable fire, y lo hizo. Experimentación y cambio a Pop, y le salió redondo. Madurez a All that you can’t leave behind, y el mundo se rindió a su talento. La marca personal de Bono es tan potente que hasta los siempre talentosos chicos de Muchachada Nui lo imitaron… Con enorme acierto, además.

Mick Jagger

Dicen que si no has ido a un concierto de The Rolling Stones tienes una vida incompleta. No será para tanto, pero lo que sí es cierto es que si alguien tiene fama de moverse en el escenario como nadie ese es Mick Jagger. Recordarás que hasta Maroon 5 compuso una canción titulada Moves like Jagger… Y es que, a veces, morritos Jagger parecía estar incluso poseído. Nada que quite el sueño, porque él desde hace ya varias décadas peina canas. Lo de Sus satánicas majestades, sabrás que viene de aquel disco que en 1967 titularon Their Satanic Majesties Request y que confirmó que estábamos ante una banda diferente. La vida de Jagger es para escribir una enciclopedia (puedes trastear en la intrahistoria de su colosal balada Angie), como también lo es la de su partener Keith Richards. Y es que la música, el rock, como la vida, coloca a todos en su sitio. Y la música del siglo XX sería menos música sin este frontman y su banda.

Bruce Springsteen

Probablemente nuestra lista no estaría encabezado por el músico más conocido de Nueva Jersey (con el permiso de la melena de Bon Jovi), aunque sin duda se situaría dentro del Top Ten. Curiosamente el artista que compuso aquel himno americano que es Born in the U.S.A., con claras connotaciones políticas, ha tenido fases de mayor predicamento fuera de su país que en él. Ya se sabe… Un tipo metódico, aguerrido del que todo el mundo recuerda sus conciertos, y que podríamos definir como el mayor currante del rock, en parte gracias a su banda, ha destacado por ser un pintor del costumbrismo de las últimas

décadas gracias a sus letras comprometidas. ¿Recuerdas lo que supuso Streets of Philadelphia?, por ejemplo…

Son, en fin, apenas diez ejemplos de grandes artistas que han sido influyentes, cada uno en su estilo, con unas condiciones musicales y pericias diferentes, y en unos contextos diversos. Pero, de todos ellos, podemos extraer enseñanzas. En particular, una: cada cual tiene su propia identidad. Y cada uno de ellos han marcado tendencia y han tenido millones de seguidores. Han sido el faro de otros músicos -entre ellos, nosotros- y su estela perdurará durante mucho tiempo.

Festivales de verano

Este año por fin retomamos las buenas costumbres y nos vamos de festival, después de dos años de sequía en los que muchos grupos han estado parados, por fin tenemos un verano lleno de conciertos y festivales.

En este post repasaremos los más próximos para tener a todos los seguidores de la banda Oinoz bien informados.

 

1.- Si estáis en Madrid, no podéis perderos Los Veranos de la Villa, que cumple su trigésimo octava edición y como todos los años promete llenar las calles de Madrid de luz, sonido y acción. Actividades como un espectáculo de marionetas gigantes, un encuentro con el entrañable Juan Tamariz o un show al puro estilo bollywood nos esperan en este festival multidisciplinar.

 

2.- También en Madrid, no nos olvidamos del Mad Cool, The Killers, Imagine Dragons. Florence+ The Machines o Muse son algunos de los grupazos de los que podremos disfrutar en esta edición.

 

 

3.- En La Rioja, concretamente en Santo Domingo de la Calzada, se celebra la primera edición del Festival Rockland Art Fest los días 15, 16 y 17 de julio, cita obligatoria para cualquier alma rockera como nosotros. Este Festival combina conciertos gratuitos y de pago, con artistas como Loquillo, Morgan o M-Clan, nada más que decir!

 

 

4.- En plena Sierra de Gredos, en Ávila, se celebra un festival del que los Oinoz somos fans absolutos, Músicos en la Naturaleza, el 23 de Julio. Lleva ya 13 ediciones y se mantiene fiel a su idea original: crear un estilo propio con la participación de artistas que “forman parte de la Historia de la música” y que hicieran del rock, su leitmotiv. Este año participan C. Tangana, Leiva e Iván Ferreiro. El carácter sostenible del festival Músicos en la Naturaleza y el compromiso ambiental vuelven a unirse en pro de la difusión de los valores de la Sierra de Gredos.

 

 

5.- Y del 26 de julio al 6 de agosto se celebra en el puerto de Mahón, en Menorca, Lazareto Festival, diez días de festival con artistas de primer nivel que maridarán en esta pequeña isla música y gastronomía. Artistas como Ara Malikian, Ana Torroja o Taburete convivirán con dos chefs con Estrella Michelín, Paco Roncero y Diego Guerrero en un entorno espectacular e inigualable.

 

Los Oinoz disfrutaremos de un verano lleno de música y vino, ¿nos acompañas?

Juglares territoriales para glosar las calles de España

Los componentes de Oinoz, que siempre que hemos tenido ocasión hemos sacado a relucir nuestro lado romántico, gustamos de canciones melancólicas en inglés tanto como en castellano, y, de vez en cuando, hacemos por traducir sus letras. Cada loco con su tema. Una que nos ha pegado fuerte estas últimas semanas, aunque no es precisamente nueva, tiene un título que, traducido, es algo así: Siempre recuérdanos de esa manera. Aparece en la banda sonora de Ha nacido una estrella. Habla de saque del cielo de Arizona, brillando en tus ojos. Los estadounidenses, si quieren hablarte de Hotel California, lo hacen, y además lo convierten en una de las canciones más recordadas de los años 70. O recuerdan las andanzas del recordado Hotel Chelsea. Katy Perry te compone un tema hablando de las chicas de California. De un bar de mala muerte monta un relato universal Billy Joel. Allí se pasa la vida y aprovecha para convertir esa experiencia cuasi-costumbrista en uno de los mayores éxitos del pop melódico. Sin rasgarse las vestiduras.

A los cantantes españoles les cuesta más desnudarse en sus letras. La mayoría de nosotros tenemos mayor dificultad para decir un te quiero que un te odio, un dame la mano, vayamos al fin del mundo a un si te he visto no me acuerdo. No hay muchas letras sobre el Acueducto de Segovia, la Plaza de España en Sevilla, el Monumento a Espartero en Logroño -más de 11 toneladas de bronce, por cierto-, o el anfibio más buscado por los universitarios, la rana de la Universidad de Salamanca. Sí le cantaron Víctor Manuel y Ana Belén a la madrileña Puerta de Alcalá y reventaron la banca. Los americanos, por ejemplo, si tienen a un cantante que destaca mínimamente, le ponen una calle en vida y le dedican un polideportivo.

Aquí, no. Aquí importamos productos artificiales, en los últimos años importados de la órbita del Caribe, y así, si antes había pocos, ahora los juglares territoriales escasean cada vez más. La industria musical ha pasado a ser como otras y se centra mucho más en el envoltorio que en lo que va en el interior.

En España, hay alguna excepción, es cierto. La ciudad madrileña de Leganés se puso de moda porque había quien se organizaba para robar la placa de su calle AC DC cada vez que los operarios municipales volvían a colocarla. En honor a la verdad, allí también se mojaron y denominaron Rosendo a una vía. El barrio del rock. Eso es tener visión municipal y lo demás son promesas electorales incumplidas, porque, por mucho que se tiren los trastos a la cabeza, siempre los concejales de un bando y otro -así ha sido casi desde que el mundo es mundo-, por mucho que uno diga blanco y a renglón seguido el otro diga negro, siempre hay grises y, en este caso, canciones que nos unen.

Pero volvamos con los americanos, que en eso del marketing y la comunicación son los amos del mundo desde hace décadas. En la zona del Mississippi hay innumerables museos en torno a algunos de los bluesman que marcaron el paso en los inicios de la música masiva tal como hoy la conocemos y sobre los primeros hombres del rock, que ya quisieran para sí el conjunto de países europeos. Esto, por poner un ejemplo.

Los británicos, que tienen otros defectos, le dan más a palos como la épica. Un ejemplo: ¿a ningún grupo heavy español se le ha ocurrido plasmar a modo de juglar la rica y variada historia en torno a castillos, jinetes, caballeros y demás que tenemos por aquí? Ha habido amagos y algún intento no muy afortunado, es cierto, pero el legado material ha llegado a nosotros, es cierto, aunque en muchas ocasiones veamos castillos abandonados, rutas desaprovechadas. En las reuniones post ensayo de Oinoz lo hemos comentado en más de una ocasión: somos expertos en perder oportunidades. Los ejemplos son múltiples. Sí, porque cualquiera de esos lugares sería motivo de epopeya para más de un estribillo de grupos al estilo Iron Maiden.

Pensamos que no vende en nuestro contexto, en el que parece mucho mejor escuchar a autores a los que en ocasiones ni se entiende, aunque hablen nuestro mismo idioma. Pero, en honor a la verdad, a pesar de que tengamos una fama ganada a pulso en torno a la fiesta y la siesta, tenemos muchísimas otras virtudes, y como el movimiento se demuestra andando, hemos transitado otras artes tal vez con mayor acierto, como la escultura o la arquitectura, a las que citábamos antes, sin olvidar la pintura, en la que somos una de las grandes potencias mundiales.

Ahora bien, estamos a tiempo de volver a conquistar corazones a partir de nuestras canciones. Al menos nosotros, lo seguiremos intentando.

Las últimas giras del rock

Hoy hablaremos de las últimas giras del rock.

La reciente muerte en Colombia del batería de Foo Fighter, Tyler Hawkins, que ha implicado la suspensión de la gira mundial del grupo que se empeñó en montar otro baterista, David Grohl, un tercio de Nirvana, nos ha empujado a escribir sobre las últimas giras de algunos de los grandes artistas o grupos de la historia. Lo curioso es que, en ocasiones, ellos mismos no sabían que aquella sería su última estancia compartida en lo alto de un escenario. C’est la vie.

En las últimas décadas hay casos especialmente conocidos en el mundillo rockero, ese que a los Oinoz nos apasiona. De hecho, algunas bandas clásicas sufrieron bajas entre sus integrantes iniciales cuando estaban en la cresta de la ola. Es muy recordado, por ejemplo, el deceso de Bon Scott, vocalista de AC DC, tras una borrachera de escándalo en Londres, como también fue mortal el episodio de embriaguez que dio al traste con John Bonham, batería de Led Zeppelin. Curiosamente, las actas de defunción de ambos artistas apenas se separaron unos meses y coincidieron en el ya lejano 1980.

 

La inspiración para uno de los álbumes más vendidos de la Historia

 

En estos dos casos, las consecuencias del hecho luctuoso fueron radicalmente diferentes. En concreto, en la banda de origen australiano, se buscó a otro cantante, Brian Johnson, que pondría sus sufridas cuerdas vocales al servicio de uno de los discos más vendidos de la Historia, Back in black, un tributo a su predecesor, que sigue sonando cuatro décadas después con la misma rotundidad.

 

 

En el caso de la banda británica liderada por Robert Plant y Jimmy Page la decisión fue justamente la contraria: Led Zeppelin levantaba el pie del acelerador y se echaba a un lado.

El legado de ambas bandas perdura. Pero, lo cierto es que AC DC ha proseguido con su carrera, con sus discos irregulares y en ocasiones sorprendentes, pero publicando de vez en cuando trabajos casi estandarizados, y con una programación también periódica de conciertos que suelen colgar el cartel de completo. Mientras tanto, Robert Plant y compañía decidieron parar como grupo, fundamentalmente vivir de las rentas y de vez en cuando prestarse para algún bolo puntual, más el melenudo del pelo rubio rizado que el famosísimo guitarrista.

 

Grupos convertidos en franquicia

 

AC DC, siguiendo con ellos, por ejemplo, perdieron hace unos años a uno de los dos hermanos Young, concretamente a Malcolm, cofundador y guitarrista emblemático dentro del grupo. Murió un par de años después de que se diera una singular circunstancia en la banda: Brian Johnson tuvo un problema con esas trilladas cuerdas vocales de las que hablábamos, y otro símbolo en el mundo del rock and roll, el vocalista de Guns N’ Roses, Axl Rose, fue contratado para la gira programada.

 

 

Otra de las formaciones musicales más seguidas de la Historia, Queen, no volvió a ser lo mismo tras la muerte de Freddie Mercury. De hecho, la banda para, pero pasados unos años decide retomar su actividad y programar conciertos, primero con quien fuera cantante de Free, Paul Rodgers, y posteriormente al entrar en escena un joven que conquistó a Estados Unidos en uno de esos famosos talent shows musicales, Adam Lambert. En ambos casos, uno de los componentes iniciales de la banda, John Deacon, se negó a dar continuidad a la franquicia con los integrantes que seguían vivos. No lo vieron así Roger Taylor y Brian May, quienes anhelaban seguir en escena.

 

Un batería diferente para The Rolling Stones

 

Pero el caso más reciente es el de The Rolling Stones -en apenas un mes llega a Madrid su nueva gira mundial, llamada Sixty, que sirve para celebrar sesenta años de carrera-. El conjunto que dio vida a Satisfaction, uno de los estándares más reconocidos de la música del siglo XX, perdió el pasado verano a uno de sus miembros originales, Charlie Watts, batería de la formación. Sin embargo, Mike Jagger y compañía no han tomado el camino de Led Zeppelin. Han optado por seguir y probablemente estemos ante el último tour de los autores también de Jumpin’ Jack Flash y, de hecho, ya tienen sustituto: es el neoyorquino Steve Jordan, quien ya colaboró con Bruce Springsteen, Bob Dylan o B.B. King.

Por cierto, los actuales Rolling Stones no son los que empezaron y tuvieron bajas muy sensibles como la de su primer vocalista, Brian Jones, quien también perdió la vida en extrañas circunstancias, ahogado en una piscina.

 

¿Y The Beatles?

 

Y si hablamos de The Rolling Stones no podemos dejar de hacerlo de The Beatles. La banda de Liverpool se convirtió en uno de los mayores fenómenos fan de la Historia y fue tal la saturación (también la creación de obras de arte) durante los años que estuvieron en activo, que la presión -para otros la influencia de terceras personas (todos pensamos en la misma artista plástica y singular cantante, sí)- les llevó a separarse. Es muy recordada su última actuación, en la azotea de la discográfica de la banda, Apple Records. Aquel concierto improvisado se convirtió en una de las imágenes más potentes de aquella década y por supuesto de la Historia de la música contemporánea.

 

 

Otros han seguido al pie del cañón, con Elton John, quien tras la pandemia ya ha apuntado que la gira que programó en 2020 y que se tuvo que posponer en dos ocasiones, será la última de su carrera. Ojalá muchos de los que ahora comienzan en el mundo de la música puedan tener trayectorias tan longevas como éstas. No sería mala noticia.

 

Cinco canciones para la paz

El conflicto bélico que se ha desatado en Ucrania -lo hemos comprobado- está teniendo muchas más consecuencias. Estamos ante una guerra del siglo XXI y la situación de emergencia humanitaria más relevante, en Europa, desde que acabó la Segunda Gran Guerra. Las posiciones se encuentran realmente enfrentadas, porque, en cierto modo, parece que el mundo vira al contexto geopolítico que se instauró tras 1945, con Occidente -entendiendo por éste, los actuales países OTAN- y Oriente -representado, fundamentalmente, por Rusia y China-.

Pero no hemos venido a hablar aquí de un acontecimiento que nos gustaría que no se hubiera dado. Queremos hablar del poder de la música para remover conciencias y promover la paz. Queremos hablar de las canciones para la paz. Porque Verdejo, Crianza y un servidor, Claude Gross, somos firmes defensores -como el 99,9 por ciento de los mortales- de un mundo sin violencia.

 

El poder oculto tras unas notas musicales

Hemos escrito largo y tendido en esta bitácora de los Oinoz, del poder sanador de la música, de cómo una simple canción hace a personas que perdieron la memoria revivir momentos de su pasado, de grandes conciertos que sirvieron para trasladar un mensaje de unidad en torno a la música, uno de las armas socializadoras más pontentes… Pero ese otro poder oculto tras unas notas musicales, que es el de remover conciencias, no podía pasar desapercibido en un momento como éste.

Por eso, hemos decidido elaborar esta breve lista, de cinco canciones para la paz, que seguro que te harán creer, como a nosotros, que hay sonidos que agitan corazones, que hacen pensar y actuar. Y que, si un día los que dicen ser los grandes líderes del mundo cierran los ojos, dejan el orgullo cegador a un lado, y miran más allá de su propio ombligo, entenderán que el mundo puede ser de otra manera. ¡Vamos allá!

 

1. John Lennon & The Plastic Ono Band – Give peace a chance (1969)

 

El líder compositivo de The Beatles -con el permiso de Paul McCartney– ya se encontraba, en 1969, con la mente puesta en otros proyectos musicales. Y éste es un buen ejemplo de ello. La canción fue grabada en la habitación 1742 del hotel Queen Elisabeth de Montreal, por parte del hombre de las gafas de cristales redondos, junto a un grupo de amigos, con el nexo de unión que es Yoko Ono. Es el primer sencillo en solitario de Lennon, y alcanza el número 14 del Billboard americano y el 2 de los Charts británicos.

El tema cobra especial relevancia dado que es un himno contra la guerra de Vietnam, no respaldada por una parte importante de los estadounidenses, en plena época de la contracultura. Fue cantada por medio millón de personas en el Día de la Moratoria de Vietnam, el 15 de noviembre de 1969, en Washington DC.

El 4 de marzo pasado, a las 8,45 horas, 150 emisoras de radio públicas europeas emitieron de manera simultánea la canción. Cuatro días después, fueron 200 las que se sumaron a ese acto de protesta, y a la vez, de búsqueda de esperanza.

 

2. Bob Dylan – Blowin’ in the wind (1963)

 

La música de Bob Dylan lleva mucho tiempo entre nosotros. Pero, lo que es más importante, perdurará en el tiempo.

Esta canción, escrita hace sesenta años, publicada un año después como sencillo (1963), es un compendio de esas preguntas que todos nos hemos hecho alguna vez, pero que no tienen una respuesta evidente, aunque la tengamos delante. Tan insondables como aquellas cuestiones de quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos… que con cierta sorna cantaran los vigueses Siniestro Total, hace varias décadas.

En concreto, Blowin’ in the wind fue considerado en su momento un himno del movimiento de los derechos civiles, que sacudió a los Estados Unidos en torno a los años 60 del pasado siglo, y que buscaba equiparar a todos, en busca de una convivencia pacífica.

La vigencia del tema es evidente.

En las protestas contra la Guerra de Irak -la segunda-, los manifestantes de todo el mundo cantaban, entre otros, esta canción que, además, sonó, con versiones adaptadas a los diversos idiomas, en el transcurso de las celebraciones religiosas de las iglesias católicas durante muchos años, en los 60, los 70 y los 80.

 

3. Jarcha – Libertad sin ira (1976)

 

Tras cuatro décadas de dictadura, en España, las heridas de una guerra entre hermanos aún no se habían restañado. Esta canción, que apenas unos meses atrás habría sido impensable publicar, ve la luz en el año 1976, pese a lo cual estuvo en el foco de una censura ya en horas bajas. Sirvió para promocionar el lanzamiento de uno de aquellos periódicos que salieron a la calle en los primeros compases de la democracia. En este caso, Diario 16. El sencillo fue número 1 durante cinco semanas en España.

Habla de las ansias de libertad de un pueblo, en el que ciertas tradiciones han impregnado de una forma evidente en el grueso de la población, pero se busca mirar al futuro de otra manera.

La canción volvió a la actualidad a finales de los 90, tras el asesinato por la banda terrorista ETA del concejal del PP en Ermua, Miguel Ángel Blanco.

 

4. José Luis Perales – Que canten los niños (1986)

Que canten los niños, que alcen la voz, que hagan al mundo escuchar… Para toda una generación de hispanohablantes, esta emotiva canción del compositor conquense José Luis Perales, es mucho más que un tema que tuvo un excelente recorrido por las listas de éxitos de toda Iberoamérica, tras su lanzamiento, en 1986. Un tema coral, que pone el foco en la bondad e inocencia de los niños, con vistas a demostrar la fuerza de la unidad y de la lucha pacifista en pro de las pequeñas cosas (aquellas que no se pagan con dinero) que, como el tiempo demuestra, son las realmente importantes.

 

5. U2 – Pride (In the name of love) (1984)

The Unforgettable fire, un disco conceptual de U2 grabado en el castillo de Slane, fue posicionando a la banda irlandesa hacia un gran público al que, de manera rompedora, llegaría con su siguiente álbum. Ese trabajo, publicado en 1984, incluía esta excelente canción, dedicada a Martin Luther King, tras la lectura del libro Deja que la trompeta suene: La vida de Martin Luther King de Stephen B. Oates y una biografía de Malcolm X. Ambos fueron defensores de los derechos civiles de la población negra en Estados Unidos, ambos fueron asesinados. Este tema habla del asesinato del primero, aunque con algún dato incorrecto, como el momento del tiroteo. Sin embargo, el sentido de la canción no puede tener más significado en un momento como el actual: en concreto, por la alusión que incorpora su “subtítulo”: En el nombre del amor. Si todos actuáramos en el nombre del amor, el mundo giraría de otra manera.

Las casas discográficas. Las principales compañías, a qué se dedican y por qué son tan importantes en el mundo de la música

Hoy vamos a hablar de casas discográficas.

Sabéis que los Oinoz somos unos apasionados de todo lo que tenga que ver con la música. De ahí que hayamos querido profundizar en algo mucho más importante de lo que pueda parecer: la industria musical.

Como en muchos ámbitos empresariales ya consolidados la tendencia hacia la concentración es evidente, porque los negocios han de crecer y el mercado, en ocasiones, da para lo que da…

Lo cierto es que los contenidos siguen publicándose, aunque las ventas físicas han caído de una manera notabilísima y el sector ha tenido que afrontar una evidente reconversión, dando paso al consumo en plataformas online por las que, en ocasiones, los usuarios pagan, o, en caso contrario, han de consumir publicidad. La música, por tanto, contribuye también a la difusión de las marcas. Y precisamente este filón lo están sabiendo explotar las casas discográficas…

Pero veámoslo en detalle.

 

La explosión discográfica de los 50, los 60 y los 70

En un momento dado había una gran amalgama de casas discográficas. Seguramente hayas visto en el reverso de algún disco en la casa de tus padres, o en tu propia casa, si tienes más de 30 años, álbumes con el sello Polydor, EMI, Parlophone, Virgin, CBS, Geffen… Incluso Motown o Stax, por citar sólo algunas de las míticas que han recorrido el camino durante el siglo XX en algunos casos y, hasta en el siglo XXI, en otros.

Con el impulso que da el rock and roll al consumo musical, el pop melódico, el surgimiento del soul y el heavy metal… Todo ello metido en una licuadora dio como resultado una importante industria que generaba además de entretenimiento, numerosa actividad económica y puestos de trabajo.

Del vinilo

La realidad es que, durante décadas, la producción de unidades musicales -por evolución, discos de laca, vinilo, cassette, compact disc, hasta de minidisc…- fue ingente, porque se consumía muchísima música física -por ejemplo, del disco Thriller de Michael Jackson, se habían vendido la friolera de 66 millones de unidades cuando se cumplían 25 años de su publicación, en 1982-. Ese es, según la RIAA, la Asociación de la Industria Discográfica de los Estados Unidos de América, el disco más vendido de la historia. Esto siempre hay que tomarlo como lo que es: un dato parcial y referido a occidente. Pero nos sirve como un acercamiento muy realista al contexto que planteamos.

 

 

A esas casas discográficas había que sumar las casas nacionales que muchas de ellas tenían. Por poner dos ejemplos, Stockholm Records en Suecia o Parlophone España.

Y a los productos eminentemente sonoros, hubo que añadir otros con el devenir de los tiempos, como DVDs, blu rays, merchandising… Un negocio redondo, en determinados casos. En otros, no…

 

Pero, ¿por qué ha habido una concentración de discográficas?

Precisamente por eso, porque la vaca a ordeñar no daba para contentar a todos. Perdonad la expresión. La concentración podríamos decir que se produce de forma natural y, como en otros sectores, el pez grande ha acabado comiéndose al pequeño.

De manera que nos encontramos, en 2022, con que existen tres grandes conglomerados que controlan el 70 por ciento de la música que se distribuye en todo el mundo. Sí, ¿y qué pasa con el resto? Esto lo veremos más adelante, con tu permiso.

 

Las tres majors

Así las cosas, en el mundo de la música hoy en día nos referimos a esas tres grandes casas discográficas como las majors, que poco a poco se han convertido en grandes matrices en las que han ido integrando a sus otras que han pasado a ser filiales. Ahorro de costes y cada vez un catálogo más apabullante.

En la actualidad son éstas las tres casas discográficas (o disqueras, como las denominan nuestros amigos latinos) más importantes del mundo, en definitiva, las majors:

 

Universal Music Group

Ésta es la compañía editorial musical más grande del mundo, con el 32 por ciento de todo el mercado.

Nacida en 1934 como sucursal norteamericana de la compañía Decca, pasó a contar con este nombre en 1996, integrando dentro de sí algunas de las label más importantes de la historia, como Capitol, EMI, Geffen, A&M, Island o Def Jam, aunque posteriormente se desprendería de algunas, como la subdivisión EMI Classic.

Entre los artistas con que cuenta esta matriz discográfica se encuentran The Weeknd, Rihanna, Taylor Swift, Metallica, Nirvana, Bon Jovi, Imagine Dragons, U2, Billie Eilish o BTS.

 

 

En su caso, tiene sus oficinas centrales en la ciudad californiana de Santa Mónica y cuenta con representación en 60 países.

Aunque es la discográfica más poderosa, no es la que mayor alcance mundial tiene. Esa condición la asume Sony Music Publishing.

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Sony BMG Music Entertainment

Compañía estadounidense fundada en 1929 como American Record Corporation, posteriormente asume el nombre de Columbia (1938) y más tarde CBS hasta que en 1998 la nipona Sony compró la compañía y pasó a llamarla Sony Music Entertainment 62 años después de su formación, en 1991.

Con la entrada del grupo Bertelsmann, en 2004 se le añadió el apellido BMG, y se integró en su catálogo la música de BMG, Ariola, Columbia o RCA.

En el caso de Sony, se calcula que asume algo más de la quinta parte del pastel mundial de la industria discográfica.

Tiene su sede en Nueva York y un lema: Sony, la compañía de la música. Pero además de la principal, cuenta con sedes en medio mundo, aproximadamente en una cuarentena de países. En particular, en las principales ciudades europeas, pero también en Australia y Sudamérica.

Han formado parte de la compañía artistas de la talla de Michael Jackson, Mariah Carey, The Black Eyed Peas, Travis Scott o Shakira.

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Warner Music Group

La tercera discográfica más importante del mundo, con en torno a una sexta parte del mercado musical internacional.

El conglomerado mediático Warner Media tiene entre sus divisiones la musical, que emplea a 4.500 personas, que opera en 70 países de todo el mundo, y que factura cada año miles y miles de millones de dólares, gracias al papel de músicos como Ed Sheeran, Dua Lipa, David Guetta, Bruno Mars o The Rolling Stones.

Entre los sellos que engloba están Parlophone, Elektra Records, EMI Classic, Atlantic Records, por los que han pasado figuras como The Beatles o Led Zeppelin, por poner algunos ejemplos.

Fundada como Warner Music en 1958 -si bien Atlantic nació en 1947 con grabaciones de jazz y soul-, tiene sus cuarteles generales en la ciudad de los rascacielos, Nueva York, y en los últimos tiempos está apostando también por los medios digitales.

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¿Y el resto del pastel?

Existe una bolsa enorme de pequeñas compañías discográficas, las denominadas independientes, que hacen un juanpalomo, de manera que con una escasa cantidad de recursos personales y materiales buscan dar aire a proyectos musicales que consideran de interés.

En todo el mundo representan en torno al 30 por ciento del negocio de la industria musical y son cientos, miles los proyectos de este tipo que nacen, crecen y en muchas ocasiones han de cerrar la persiana.

En España tenemos como caso de éxito el logrado por los madrileños Vetusta Morla, quienes pusieron en marcha su propia discográfica, con bastante éxito.

En España también se recuerda aún lo que logró la casa Subterfuge, abanderada de las grandes independientes que, en los años 90, en particular, logró importantes éxitos, que proyectaron a grupos como Dover, que con su Devil came to me vendió miles y miles de éxitos, para después ser fichados por una major.

 

¿Qué hacen las casas discográficas?

Mucho han evolucionado las casas discográficas, pero la realidad es que a sus funciones tradicionales (como casi todas los negocios) han ido añadiendo otras nuevas.

Entre las clásicas, se sitúan las siguientes: scouting, o localización de potenciales talentos; producción de sencillos, álbumes y recopilaciones, fabricar los soportes, distribuir la música que sale de sus oficinas, desarrollar acciones de promoción y marketing, relaciones con los medios, vigilar el cumplimiento y la correcta aplicación de los contratos, así como facilitar el despliegue de eventos, de los que también reciben ingresos.

A esas tradicionales acciones se han sumado otras como la difusión en redes sociales, o la negociación con plataformas de streaming, que son los principales puntos de contacto en la actualidad entre los músicos y las discográficas y los consumidores.

Tanto han evolucionado que hasta están preocupadas por la Responsabilidad Social Corporativa.